LA FAMILIA DE CARLOS IV                                


La familia de Carlos IVes un cuadro pintado por Francisco de Goya cuando era pintor de la corte del mismo rey.En el se aprecia los guiños que hace Goya a Velázquez en los siguientes dos aspectos: 1)Pudo inspirarse en Las Meninas(único retrato real hecho hasta entonces) aunque el de Goya no posee la perspectiva y la profundidad de Velázquez.
2)Se autorretrata en el lienzo pintando a la familia del monarca al igual que Velázquez.

El cuadro se encuentra en el Museo del Prado (Madrid,España). Es un óleo sobre lienzo de enormes dimensiones y en el se distinguen claramente los colores del amarillo,del rojo y los tono verdosos.



Los fusilamientos del 3 de mayo

-Pintado por Goya en 1814

-Representa las represalias tomadas por los franceses tras las revueltas del dos de mayo.

Estas represalias se iniciaron a plena luz del día, en el Paseo del Prado, sin embargo, Goya eligió para su

cuadro el escenario más melodramático de la madrugada del 3 de mayo, cuando las ejecuciones se llevaron a cabo en las afueras de Madrid, acompañadas de una lluvia constante.

-Como fondo, escogió el Lugar de desmonte de la Moncloa, junto al Palacio Real, lo que aumenta el carácter patriótico de la composición.

-Destaca el perfil arquitectónico de la ciudad, en el que se reconocen, entre otros edificios, 

la iglesia de San Ginés.

-Podemos diferenciar tres grupos entre los rebeldes: aquellos que esperan para ser ejecutados, los fallecidos y a los que ya apuntan los franceses con sus fusiles.

-Existe un gran contraste entre el horror y el desorden de los españoles y la actitud rígida y perfectamente organizada de los franceses.

Autorretrato en el taller por Blanca Domínguez

AUTORRETRATO EN EL TALLER

 

• Autorretrato en el taller (1790-1795) es un cuadro de pequeño formato de los llamados «de gabinete».

• Actualmente se expone en en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
 
• El pintor se retrata de cuerpo entero a contraluz en su estudio pintando un gran lienzo -óleo sobre lienzo-.
 
• Este cuadro es, posiblemente, el propio autor que contemplamos, en el que Goya aparece de perfil y mirando hacia el espectador.

• Goya se nos muestra en este cuadro como un artista que nos mira seguro de sí mismo, mirando al espectador y mostrándose en su actividad vestido con una indumentaria muy moderna para la época.

• Viste tejidos ingleses, pantalón de rayas horizontales y jubón corto con bordados. 

• El aparatoso sombrero se debe a que está preparado con un armazón para colocar velas, pues a Goya le gustaba de terminar sus cuadros con luz artificial. 

• La luz incide de pleno en una gran ventana situada al fondo, lo que matiza la calidad de la iluminación del cuerpo de la figura. 

•  Entre la ventana y él, se puede apreciar una mesa camilla sobre la que hay recado en papel, lo que podría denotar el deseo de aparecer caracterizado como intelectual.

• La figura queda en sombra, lo que provoca un interesante estudio de los matices de color en su ropa y cara, un motivo habitual en el pintor aragonés. 

• En cuanto a la técnica, Goya hace gala de una gran rapidez en la ejecución a base de manchas de carácter impresionista cargadas de pintura y sin precisar los detalles, como correspondería a un cuadro pintado por iniciativa propia.

LA VENDIMIA DE GOYA

La Vendimia o el otoño es una obra de Goya, que pertenecía a una serie de cartones que formaban los tapices del comedor del príncipe del palacio del Pardo. Está pintado en óleo sobre lienzo, utilizando colores planos y vivos. Aparecen en un primer plano los nobles recibiendo las uvas, utilizando el recurso del esquema piramidal, mientras que en segundo plano se observa a los vendimiadores trabajando. El joven majo va vestido de amarillo, color que simboliza el otoño. La obra ofrece calma y sosiego, y se pueden observar perfectamente todos los detalles.

LA LECHERA DE BURDEOS

Primera obra de estilo libre de Goya, desata su libertad y pinta como él quiere. Resurgimiento después de su crisis.
Pintada en 1827, anticipación a los impresionistas.

EL ENTIERRO DE LA SARDINA 
por Andrea Hailer.

Francisco de Goya

En su origen parece que la intención del pintor era criticar a la iglesia católica  en el estandarte ponía la palabra "mortus", y delante de él bailaban 2 personas disfrazadas de monjes. finalmente el cuadro fue corregido y en el estandarte se puso la cabeza del dios Momo; que era un dios griego que simbolizaba el sarcasmo y la burla, y los dos monjes fueron sustituidos por 2 jóvenes con caretas o maquillaje muy notable que bailan delante.
La obra manifiesta la alegría de vivir del pueblo. Las clases humildes gozan de libertad. La fiesta, la risa y la diversión popular protagonizan el cuadro. Las primeras figuras aparecen iluminadas desde su propio traje iluminando a los personajes de primera fila.

FRESCOS DE SAN ANTONIO DE LA FLORIDA.

LOS FRESCOS DE SAN ANTONIO DE LA FLORIDA

Estos frescos están situados en la real ermita de san Antonio de la Florida, que está situada en Madriz.

Goya pintó estos frescos en el año 1798 y tardo 6 meses.

Ya que la ermita no tiene casi riquezas arquitectónicas,  los frescos se llevan todo el protagonismo.

Utiliza una técnica ilusionista que amplia el espacio y supera los límites arquitectónicos.

Utiliza también una pincelada suelta y enérgica. Destaca la luminosidad y color de la obra.

La bóveda de la ermita tiene la imagen principal que representa un milagro de San Antonio y las gentes  del pueblo lo observa apoyados en la barandilla.

Los arcos y flancos de la bóveda están decorados con querubines  y ángeles femeninos adornados con cortinajes.

MUCHAS GRACIAS CLASE, ESPERO QUE OS HAYA GUSTADO. FIN.                                                               by Rocio Ramos :)

CAPRICHOS DE GOYA POR BLANCA DE MORA

Los caprichos de Goya 

Los Caprichos es una serie de 80 granados pintor español Francisco de Goya,representa una sátira de la sociedad española de finales del siglo XVIII, sobre todo de la nobleza y del clero.

En la primera mitad presentó los grabados más realistas y satíricos criticando desde la razón el comportamiento de sus congéneres. En la segunda parte abandonó la racionalidad y representó grabados fantásticos donde mediante el absurdo mostró visiones delirantes de seres extraños.

Empleó una técnica mixta de aguafuerte,aguatinta y retoques de punta Seca.Deformó exageradamente las fisonomías y los cuerpos de los que representan los vicios y torpezas humanas dando aspectos bestiales.

 

 Capricho número 1. Como preludio de sus Caprichos, Goya se retrató mostrándonos al autor de esta serie de sátiras sobre la sociedad española de su tiempo. Se representó en actitud satírica y como un personaje importante.

 

Goya criticó en esta estampa la violencia en la educación de los niños.
Los ilustrados creían que la educación podía corregir los defectos y errores humanos.
Se llama si quebró el cántaro.

 

Su relación con la Duquesa de Alba inspiró sus sátiras sobre la inconstancia de la mujer en el amor y su impiedad con los amantes.
la Duquesa peinándose.

 

Están calientes número 13

En este grabado, cuyo primer dibujo preparatorio pertenece al álbum B, se aprecian las novedades que introdujo en el citado álbum y que empleó con profusión en los Caprichos: claroscuro, uso expresionista y no realista de la luz iluminando solo los puntos a destacar, leyenda ambigua y mensaje visual múltiple.

 

43.-El sueño de la razón produce monstruos En principio Goya tenía previsto que fuera la portada de sus grabados. Aquí se retrató de forma muy diferente a como finalmente decidió presentarse en el inicio de los Caprichos: abstraído, medio dormido y rodeado de sus obsesiones. Un búho le alcanza los útiles de dibujar, señalando claramente la procedencia de sus invenciones.
En el dibujo preparatorio, pensado como Sueño, dice: ... El Autor soñando. Su intento solo es desterrar vulgaridades perjudiciales y perpetuar con esta obra de caprichos, el testimonio sólido de la verdad.


a parte tenemos láminas de temas de brujas, monjes, duendes y demás.
Estos son los más importantes.

 

BIOGRAFIA GOYA

Francisco José de Goya  nació en Fuentedetodos (Zaragoza)  en 1746.

Goya fue el pintor y grabador europeo más importante de su tiempo.

Goya aprendió de su padre el oficio de dorador, pero, decidido a dedicarse a la pintura, se trasladó a Madrid a los 17 años para formarse junto a Francisco Bayeu, con cuya hermana se casó en 1775, año de su establecimiento definitivo en Madrid. Bayeu le proporcionó trabajo en la Real Fábrica de Tapices, para la que realizó sesenta y tres cartones.

Goya empezó a pintar retratos y obras religiosas que le dieron un gran prestigio, hasta el punto de que en 1785 ingresó en la Academia de San Fernando y en 1789 fue nombrado pintor de corte por Carlos IV. La restauración absolutista persiguió a los liberales, por lo cual Goya se sintió amenazado y se fue a vivir a Burdeos.

En  1792, Goya padeció una grave enfermedad que le dejó casi sordo.
Murió en 1828, y aunque no dejó inmediatos discípulos de importancia, su influencia fue enorme en la pintura de mediados del siglo XIX y en el arte en general del siglo XX.

EL PELELE POR LETICIA REDRUELLO

EL PELELE: LETICIA REDRUELLO


El pelele es un carton para tapiz de Francisco de Goya. mide unos 267cm de alto por 160 de ancho.

lo realiza para el gabinete del rey Carlos IV en El Escorial. Se trata de una escena popular. Pertenece al ultimo periodo de Goya como pintor de cartones para tapices.

LA OBRA: 
representa a cuatro jóvenes vestidas de majas de mantean a un pelele (muñeco de trapo) en un paisaje frondoso, con un edificio de piedra al fondo.

el juego, practicado durante algunas fiestas populares,como el carnaval y rito de despedida de la soltería, simboliza el poder de la mujer frente al hombre.
gracias a la nube del fondo dado que es mas clara se centra la atención en el pelele
las señoras miran hacia el pelele riendo lo que simboliza el poder de la mujer sobre el hombre
la luz entra por la izquierda , lo observamos gracias a la posición de las sombras 
las dos señoras del fondo nos invitan a entrar en la escena y la que esta más cercana al publico da movimiento al cuadro la cuarta mujer se encuentra hierática. 
los colores son de tonos cálidos y los ropajes muy detallados. FIN!!!!! 

Tapices de Goya por Inés Henriquez de luna

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EL AQUELARRE. María Moreno

COMENTARIO: Goya realizó  este cuadro entre 1819 y 1823; y fue parte de la decoración de su casa, la llamada Quinta del Sordo.

Ya pasada su época en la que retrataba con entusiasmo y alegría se queda sordo tras superar una enfermedad; lo que supone un gran cambio para el pintor. Tras la guerra de la independencia inicia una nueva fase en la que se dedica a pintar sus famosas pinturas negras.

Este cuadro,  perteneciente a las pinturas negras, tiene mucho que ver con los caprichos que este mismo realizó.

Ambos representan temas terrorificos, reuniones con el demonio y la brujería, temas de supersticiones populares heredadas a lo largo de los siglos.

Esta visión de lo terrible, del mundo de las emociones y los miedos, la heredarán los pintores románticos.

TEMA:  el cuadro representa un aquelarre (reuión o invocación al demonio) en el que bastantes brujas rinden culto a este.

COMPOSICIÓN:  es simétrica ya que están sentadas en círculo. El centro lo forma la mujer del pañuelo blanco a cuyos lados se encuentra el demonio y una mujer sentada en la silla (el retrato de Leocadia, amante de Goya, no demasiado favorecida al encontrarse junto a las brujas).

LÍNEA Y COLOR: Goya, utiliza una paleta sucia (varios colores mezclados con negro). En algunas figuras Goya realiza el contorno con líneas bastante finas. Todo esto hace crear una escena de terror.

LUZ: da energía a la imagen y se centra en las figuras de delante. Nos permite ver con mucho realismo en la escena junto con el hecho tan tenebroso que representa una invocación al diablo. Se utilizan fuertes claroscuros, como en el pañuelo de la bruja sentada en la silla.

PERSPECTIVA: es aérea, ya que las brujas que están situadas mas lejos su rostro no se puede distinguir del todo bien, en cambio en las de delante si, aunque le interesa sobre todo el  primer plano.

FIGURAS: los rostros de las brujas  están deformados. Éstas, rindiendo culto al demonio, muestran su atención puesta en el demonio y a la bruja de la silla. Las figuras están muy juntas y no hay espacio visible entre ellas. 

El duque de Wellington. Blanca Miner

             El duque de Wellington comandó La Batalla de Waterloo para derrotar definitivamente las fuerzas
napoleónicas. Tras su victoria, Napoleón fue expulsado a la isla de Santa Elena, acabando así su imperio
en toda Europa. Las características más importantes del cuadro son las siguientes:

-realizó como retrato privado pintado por Goya para el propio duque durante su breve estancia en Madrid.

-La técnica es óleo sobre tabla.

-Ha pasado por todos sus descendientes hasta llegar a la ''National Gallery'' en Londres, donde fue robado, y posteriormente recuperado.

-Lo que más llama la atención son las condecoraciones que le prenden del cuello y de la casaca militar que son 5:  El Toisón de Oro, la Cruz de  Oro militar, la Orden del Baño, la Orden portuguesa de la Torre y la Espada y la Cruz española de San Fernando.

-El rostro del duque está pintado con el objetivo de transmitir inteligencia y sabiduría.

-También, se aprecian las pinceladas empastadas y oscuras del cuerpo y la casaca, a diferencia del rostro, con pinceladas mas precisas y compactas.

LA MAJA VESTIDA

LA MAJA VESTIDA

 

La maja vestida de Goya es un cuadro en óleo sobre lienzo.

La mujer es una aristócrata, esto se ve por su traje de alto copete, está recostada en un diván sobre almohadones en una postura atractiva y sensual.

Goya pinta con pinceladas sueltas y pastosas y los colores cálidos usados hacen que sea un cuadro más alegre que el de su pareja: La maja desnuda. Gracias a estas pinceladas se distinguen las texturas del cuadro como la chaqueta de encaje y el vestido liso.

En esta obra, Goya muestra a una mujer elegante e incitante.

 

 

LA VIRGEN DEL PILAR

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  PILAR AVIÑÓ
  
  
  
  
   CARACTERÍSTICAS:
  
  
  
  
  
  
  
  
  
  v  Óleo de temática religiosa pintado por Francisco de Goya en sus primeros años, en concreto durante su etapa joven en Zaragoza
  
  
  v  Se conserva en el Museo Provincial de Zaragoza
  
  
  v  Junto a La Triple generación y la Aparición de la Virgen del Pilar a Santiago es uno de los cuadros más valorados y apreciados de entre los primeros que pintó Goya y todos ellos tienen como centro la Virgen del Pilar
  
  
  v  Se trata de un cuadro de devoción que el artista pintó para su familia y en él se refleja toda la sencillez popular de la estampa religiosa, destinada al culto piadoso.
  
  
  
  
  v  La iconografía de María sobre la columna es el tema principal del cuadro, y Goya lo destaca quedando  María enmarcada por un halo de luz al que se asoman grupos de ángeles, y del que por encima de nubes oscuras aparece el pilar, que coloca a la Virgen en el centro.
  
  
  v  Es un cuadro muy luminoso, donde el foco de luz es la Virgen
  
  
  v  En un primer plano tres ángeles acuden hacia la columna llevando un manto azul, para simbolizar su pureza y otro rojo, para simbolizar la Pasión
  
  
  v  En un segundo plano la Virgen se recorta sobre un haz de luz que ella misma irradia.
  
  
  v  La Virgen sujeta al Niño en brazos. El Niño posee una actitud realista, reflejada en la postura y en la cara.
  
  
  v  El tratamiento minucioso y detallado del manto y sus pliegues, sujetos por la mano derecha, así como la actitud realista del Niño contrastan con el tono abocetado que en general domina en el cuadro.
  
  
  v  Sencillez popular de la estampa religiosa, destinada al culto piadoso.
  
  
  v   Rostros abocetados
  
  
  v  Grupos de querubines, se van diluyendo en un círculo de luz de ricos matices cromáticos...
  
  
  v  Predominio de los tonos dorados y anaranjados
  
  
  
  
  FIN

COMENTARIO DE CARLOS III EN TRAJE DE CAZADOR:

Fue realizado entre 1787-1788. Se trata de un óleo sobre lienzo.

Retrato del rey Carlos III  hijo de Felipe V y de Isabel de Farnesio, poco antes de su muerte, ocurrida en Madrid el 14 de diciembre de 1788. La composición sitúa al monarca vestido de cazador, luciendo las bandas de la orden de Carlos III, de San Jenaro y del Santo Espíritu, así como el Toisón de Oro, en las tierras de caza de los reyes, bien en los alrededores de El Escorial o entre El palacio del Pardo y la sierra madrileña. Acompañado de un perro, que duerme plácidamente a sus pies. Sigue la tipología de los retratos de Velázquez del rey Felipe IV cazador, de su hermano el infante don Fernando y de su hijo, el príncipe Baltasar Carlos. Aunque no se tienen noticias del encargo ni de su destino. Existen muchas controversias alrededor de los cinco retratos de Carlos III vestido de cazador que se conservan. Los diferentes especialistas no se ponen de acuerdo en concretar cuales son auténticos y cuales son copias. Parece bastante seguro que el pintor siguió o grabados u obras de otros artistas para realizar el retrato ya que no existe constancia documental de que Carlos III posara para Goya. En alguna ocasión coincidieron pero nunca en el estudio.El monarca se presenta al aire libre, en un paisaje muy similar al de los cartones para tapiz aunque existan ciertos ecos velazqueños. Viste larga casaca parda, gorguera blanca de encaje y chupa amarilla ajustada con cinturón. Las bandas de las Ordenes de Carlos III y del Toisón de Oro cruzan su regio pecho. El curtido rostro es el centro de atención de la figura, ofreciéndonos una expresión de bondad e inteligencia que le sitúan muy cerca del espectador, como si no fuera el monarca. La enorme afición a la caza del rey - pensaba que con los largos paseos y el sol evitaría la locura que había afectado a su padrey hermano - motiva que sea ésta la actitud elegida para presentarse ante nosotros. La precisión de Goya a la hora de ejecutar los bordados y las calidades de las telas demuestran su facilidad para triunfar como retratista en la corte. primero, antes de su llegada al Museo en 1847, procedente de la colección real. 

MARÍA BALLESTEROS FLORES

 

Etapas de Goya / Carmen Aguilera

A Francisco de Goya  (1746-1828) le tocó vivir dos épocas muy distintas, : la del optimismo de la Ilustración y la del pesimismo de la guerra y el oscurantismo. Goya tuvo influencias de movimientos como el Clasicismo, el Romanticismo  el Oscurantismo.

La primera de ellas abarca desde 1771 hasta 1807, es la época de juventud y madurez, en la que predomina la visión optimista de la vida. Se inicia aquí como pintor de la Academia y Real, pintando a los miembros de la Corte y a los miembros más selectos de la nobleza española con una paleta de colores amplia, viva.Retrato de Carlos III, y Cartones para la Real fábrica de tapices.    

La segunda etapa abarca los años 1808-24 aproximadamente. Son los años marcados por la sordera y la guerra, es la época del sufrimiento.  La paleta se oscurece y la pincelada se hace densa, rápida, expresionista. El pintor, olvidado por la sociedad y el monarca, alquila una casa, la “Quinta del sordo”, lugar en el que en sus paredes realiza las “Pinturas Negras”, de temática dramática y sombría.La carga de los mamelucos y Saturno comiendose a su hijo.

         

 El epílogo llega en el año 1824, abandona España y se exilia voluntariamente en Burdeos donde fallece. En estos últimos momentos su paleta se aclara de nuevo con colores vivos y una temática alegre que podemos observar en su cuadro “La lechera de Burdeos”.